Entrevista de Parma Recordings / Ravello Records a Edgar Barroso por su nuevo CD “Immersion, Absorption, Connection”.

Su álbum debut, INMERSIÓN, ABSORCIÓN, CONEXIÓN, saldrá el 9 de octubre de 2015. Para aquellos no familiarizados con su trabajo, ¿cuál sería un buen lugar para empezar?
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Creo que un buen comienzo es simplemente enfrentarse con el material del álbum. Yo soy un gran fan de la música que se explica a sí misma. Este álbum es una recopilación de alrededor de 10 años de mi trabajo como compositor, por lo tanto cada pieza es muy diferente, es un verdadero viaje sonoro a través de los cambios filosóficos que han ocurrido a lo largo de mi relación con el sonido. Cuando un nuevo oyente se enfrenta a mi trabajo, inicia un paseo sobre superficies movedizas, sostenidas por una fuerza constante: la búsqueda de enlaces abstractos entre la música y las diferentes áreas de conocimiento. Cada pieza comporta una relación con otros marcos conceptuales, fenómenos naturales y colaboraciones con ámbitos y profesionales situados fuera de la música. Creo que este es un aspecto interesante de Inmersión, Absorción y Conexión, un álbum donde la diversidad construye la unidad.

– Muchas de sus composiciones se basan en un proceso de colaboración transdisciplinaria; ¿puede explicar brevemente qué significa ésto y cómo es benéfico?

La música es mi aparato para crear una comprensión personal del mundo. Desde que era niño me interesaban muchos aspectos de la vida, y en la música que encontré el “pegamento” para mantener juntos todos mis intereses. A través de la música tengo la oportunidad de aprender sobre ciencia, tecnología, filosofía, psicología, etc. Por lo tanto, cada pieza de música se convierte en una ventana para la colaboración y la curiosidad. Estoy muy interesado en una integración del conocimiento y las emociones, que puede expresarse a través del sonido, no de manera directa, sino en un sentido de pensamiento y concatenación de diferentes experiencias. Este conjunto de conceptos y emociones crea una energía peculiar que traduzco en partituras musicales. Además, soy un gran fan de la colaboración. Me encanta conocer personas interesantes y comprometidas, y aprender de ellos. Estoy profundamente agradecido a la gente que comparte su tiempo conmigo para crear. Me llenan de humildad y me recuerdan que el mundo es mucho más que un concierto en un teatro, y que la composición musical no es un acto solitario.

– ¿Cuáles piezas en el álbum han resultado de la colaboración trans-disciplinaria?

Todas ellas. De una forma u otra, cada pieza es el resultado de un proceso de colaboración. Este proceso se manifiesta en distintos aspectos de cada pieza: en el proceso creativo, en su conceptualización, en la creación de su material, estructura, intención, etc. Como he mencionado antes, mis colaboradores me conectan con el mundo que está fuera de la música, y me permiten traducir sus contribuciones en partituras que generan una especie de expresión sonora. Pero para mí todo esto no se trata solamente del sonido, se relaciona con una visión del mundo y de aspectos fascinantes del mismo.

– ¿Podría añadir un poco más acerca el proceso detrás de una o dos de estas piezas en particular?

Por ejemplo, Metamorphoseon, cobró vida gracias a una querida amiga, Edyta Lehmann, quien me interesó en la Metamorfosis de Ovidio. Ella me explicó las secuencias, los poemas, el potencial de los aspectos teatrales de cada escena. En, Sketches of Briefness, la idea detrás de la pieza fue una colaboración con un pintor, quien insistió en que los esbozos o sketches constituyen la expresión artística más pura, porque son el “primer impulso” carente de técnica y refinamiento interfiriendo con la creatividad.

 

– Recientemente usted fue nombrado miembro del Sistema Nacional de Creadores Arte de México, con el apoyo de la Secretaría de Educación Pública y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes; ¿qué tipo de trabajo hará en el marco de este nombramiento?

Compondré siete piezas basadas en fenómenos científicos. El proyecto tiene un rango amplio, e incluye piezas instrumentales, piezas acusmáticas multicanal, piezas en live electronics, e instalaciones sonoras. Este Sistema Nacional es un gran programa, en el que el Gobierno de México básicamente encarga una serie de piezas en un período de tres años.

– Muchas de las obras en su álbum se inspiran en México; ¿qué es algo que le gustaría que supieran de su país, quienes sólo lo conocen a través de las impresiones externas?

México es un país lleno de contrastes. Puede ser de una belleza absolutamente impresionante y aterrador al mismo tiempo. Dualidades tales como violencia-amor y solidaridad-indiferencia, pueden verificarse diariamente en un radio de dos cuadras. No creo ser nacionalista, sino más bien un compositor que tiene en cuenta un contexto social muy particular que tiene una gran influencia en su visión del mundo. México es un país muy enérgico y caótico; en él los mexicanos o residentes en este país aprendemos a encontrar belleza en las circunstancias referidas, y creo que ésto puede escucharse en mi música. Me siento muy cómodo tratando con sonidos altamente energéticos, caóticos, violentos. Mi música no aborda la textura o el timbre, no pretende seguir una lógica y desarrollar consistentemente un material sonoro; es más acerca de retratar una lucha, una especie de sobreabundancia que habita un espacio limitado, constreñido, donde elementos diferentes coinciden y chocan. Si usted va a la Ciudad de México usted entenderá inmediatamente este sentimiento. Y, por supuesto, mis raíces siempre serán una parte importante de mi identidad; tengo la fortuna de tener mis orígenes en México, un país con una cultura riquísima y una profunda tradición sonora.

– ¿Puede compartir un poco más acerca del origen del Open Source Creation Group y el LET?

El, Open Source Creation Group, surgío en Harvard, durante mis estudios de doctorado.  Comenzó como un grupo de amigos que se reunían cada martes a las siete de la tarde para compartir ideas. Eran reuniones muy abiertas donde asistían personas provenientes de muchos campos del conocimiento, para compartir semanalmente sus investigaciones e intereses. Aprendí mucho de esas reuniones. Los miembros del grupo pensábamos en la creatividad como algo que se comparte y sirve para construir cosas nuevas,  y abrazábamos una filosofía similar a la del software de código abierto. Así, en nuestros encuentros “compartíamos nuestros cerebros” para que otros los utilizaran. Fueron reuniones que realmente tuvieron un impacto profundo en mi música y mi vida. Desde entonces, decidí que la música no era sólo acerca del sonido o los conciertos; la música, como afirmaba Luigi Nono,  es también acerca del pensamiento. El Open Source Creation Group me inspiró a ir más allá de la configuración tradicional de la música académica, hacia una comprensión más amplia de la creación musical. Decidí aplicar el pensamiento músical a otros campos del conocimiento, como el emprendimiento, la innovación social y la educación. El grupo me alentó para vivir una vida transdisciplinaria, como un guión abierto donde la vida y la música se funden en un viaje de descubrimientos compartidos por gente maravillosa.

Mi formación musical me hace pensar la mayoría de las cosas en un modo musical. Aplico principios de contrapunto para crear comunidades de emprendedores sociales; estructuro programas de educación pensando en la “forma”, y aplico procesos de la música contemporánea para crear sistemas autorregulados que pueden hacer frente a la complejidad y a eventos polifónicos, multifactoriales. Un ejemplo de to esto consta en mi trabajo actual, en la Escuela de Gobierno del Tecnológico de Monterrey, donde estoy a cargo del LET (Laboratorio de Emprendimiento y Transformación). Aquí soy un compositor que trabaja en una Escuela de Gobierno, aplicando teorías musicales al emprendimiento público. ¿Parece una locura, verdad?. También utilizo la música como una vía para fomentar el activismo social, promoviendo la participación ciudadana y la colaboración transdisciplinaria para crear nuevas formas de lucha contra la pobreza, la violencia infantil y la segregación social.

Cada vez que alguien le pregunta a mi esposa acerca de lo que hago para ganarme la vida, ella sonríe, me mira y dice: “¿Edgar, puedes explicar lo que haces?, porque yo todavía no entiendo.”

– Nos gustó mucho tener al clarinetista Matthias Mueller tocando en vivo el Clarinete Bajo SABRe, en el 2014 PARMA Music Festival, así que fue muy bueno escuchar que usted compondrá una obra para el Clarinete Bajo SABRe. ¿Qué nos puede decir acerca de su papel en este proyecto?

Matthias Mueller es increíble; no sólo es un clarinetista extraordinario, sino un ser humano excepcional. La pieza que estoy escribiendo para Matthias se llama, “Zamak”, y forma parte del proyecto que mencioné antes, en el que habrá piezas donde se abordará el vínculo entre las artes y algunos fenómenos científicos. El reto de escribir para SABRe, no es simplemente escribir una pieza para clarinete bajo y electrónica, sino tratar realmente el instrumento como lo que es, un nuevo instrumento dinámico y extendido; por lo tanto, la notación en la partitura incluye la mayor parte de los sensores y posibilidades del SABRe. Para mí es muy importante retratar las “posibilidades polifónicas” del SABRe, por ello la pieza tendrá un aspecto visual y sonoro importante, y preservará el sonido de Matías. Esta gama de posibilidades están conformando una pieza muy exigente, dada la complejidad de las “voces simultáneas” que inciden en ella; afortunadamente Matías es el artista ideal para hacer frente a este tipo de desafíos, porque, como sabemos, él tiene mucha energía y dinamismo. Para mí el reto es escribir una pieza que sólo puede interpretarse con el SABRe,  y está concebida, desde el principio, para este maravilloso nuevo instrumento. Asimismo, no sólo quiero centrarme en los aspectos técnicos del instrumento, sino más bien en las posibilidades artísticas y estéticas que ofrece dentro de un océano de enormes posibilidades.

– Es increíble ver cómo los avances en la tecnología han afectado a la música en las últimas décadas, tanto en su creación como en la forma que es escuchada; ¿cómo crees que el mundo de la música será dentro de cien años 100 años?

Creo que la creación musical se hará más y más colaborativa. Esto es algo que comenzamos a ver desde ahora.  En el futuro se llevarán a cabo las primeras colaboraciones masivas entre miles de compositores, profesionales y de otra índole, para construir una cantidad infinita de piezas musicales. La gente consumirá la música de una manera mucho más multisensorial, utilizando todos los sentidos y estimulando áreas específicas del cerebro. La música también será más importante en los sistemas educativos; porque tengo la esperanza de que todos entendamos lo importante que es la música para la creatividad humana y el bienestar. Obviamente no tengo una idea precisa de cómo será la música en 100 años, pero soy optimista. Veo un futuro más sonoro, con más y mejor música de la que tenemos ahora, con seres humanos que entienden cómo la música es tan esencial para todos: creo que la música estará más presente en la medicina, los teatros, las escuelas, las universidades, los gobiernos, las ciudades, etc. El futuro estará lleno de sonido.

– ¿Qué impresiones le gustaría que tuvieran sus oyentes después de haber escuchado su música?

No “espero” una reacción o impresión específica de mis oyentes. Estoy agradecido con quienes deciden escuchar mi música; hay tanta buena música por ahí, que es un verdadero honor y un privilegio saber de alguien que escucha mi obra. Espero que mis oyentes encuentren en lo que hago, mi lucha, mis limitaciones, mi búsqueda y mi alegría en el acto de la creación musical. Me encanta escribir música, y cada vez que lo hago encuentro en ello, nuevamente, la única manera de darle sentido al mundo.